Harmoniques

En musique, l'harmonie est l'émission simultanée de plusieurs sons différents.

Dans la théorie de la musique occidentale, l'harmonie étudie la construction des accords, les principes qui les gouvernent et leurs enchaînements ; on parle alors de l'aspect « vertical » de la musique par opposition à la dimension « horizontale » (mélodie).

Dans son acception la plus courante, relative aux simultanéités dans la musique, l'harmonie a suscité une abondante littérature, depuis Platon et Aristote, jusqu'à Hindemith ou Messiaen. Cependant, même dans ce domaine précis, le terme peut revêtir différentes significations — historiquement liées — depuis la plus large — composante musicale intégrant des simultanéités — jusqu'à la plus étroite — science des accords — en passant par les différentes évolutions du concept au XX siècle. Il est dérivé du grec harmonia, signifiant initialement « arrangement », « ajustement », et désignant plus précisément la manière d'accorder la lyre.

Histoire

C'est Olympos, fils d'Héraclès et d'Euboée, qui passe pour l’inventeur de l’harmonie.

Description

Le mot provient du grec αρμόζω (armozo), qui veut dire joindre, faire coïncider, adapter, emboiter. Dans son sens le plus large, le mot harmonie désigne traditionnellement une des quatre composantes de la musique — les trois autres étant le rythme, la mélodie et le timbre. L'harmonie relève de l'utilisation délibérée de fréquences simultanées, dans la perspective d'apporter relief et profondeur au chant ou au jeu instrumental : elle représente donc l'aspect vertical de la musique, tandis que la mélodie en représente l'aspect horizontal (relativement au sens de lecture d'une partition : la lecture horizontale décrit la succession de notes qui composent la mélodie, la lecture verticale décrit la ou les notes jouées simultanément à un instant T).

L'harmonie dans son sens large inclut la polyphonie et s'oppose ainsi à la monodie médiévale, et, plus généralement à tout type de musique traditionnelle jouée ou chantée à l'unisson.

Un instrument de musique est dit « harmonique » quand il est capable de jouer plusieurs sons simultanés et de créer des accords : comme la plupart des instruments à clavier (piano, orgue, clavecin, accordéon, harmonium, etc.). Les autres instruments sont mélodiques et ne peuvent produire qu'un son à la fois. Certains instruments à corde peuvent produire deux sons en même temps.

L'usage éventuel de simultanéités délibérées sera qualifié « d'hétérophonie » plutôt que d'harmonie.

La notion d'harmonie est liée à une éducation de l'oreille, et soumise à une évolution historique : ainsi les auditeurs du XXI siècle auront du mal à entendre un accord de neuvième comme dissonant, alors même que ce type d'accord était proscrit à l'ère baroque. Ce n'est d'ailleurs qu'au cours du Moyen Âge que les intervalles de tierce — base de l'harmonie classique — ont été considérés comme consonants. Auparavant, seuls l'unisson, l'octave, la quinte et la quarte l'étaient.

Pour comprendre la notion d'harmonie, il faut se reporter au phénomène sonore lui-même. Chaque son émis par un corps sonore mis en vibration — corde, peau, métal, etc. — produit une note fondamentale que l'oreille perçoit et dont on peut aussitôt identifier la hauteur. Dans le même temps, sont émis d'autres sons, appelés harmoniques, que l'on peut entendre par exemple en écoutant une note sur un piano au cours de son évolution : les sons harmoniques deviennent progressivement perceptibles à l'oreille lorsque la fondamentale s'atténue.

Mais l'explication des origines de l'harmonie par l'acoustique et les harmoniques du son fondamental a ses limites : ainsi, dans la théorie de Rameau, l'accord parfait mineur — do mi bémol sol — est une sorte d'anomalie, puisque le mi bémol n'est pas un des harmoniques de do. On peut remarquer cependant que ces trois notes ont beaucoup d'harmoniques communs : ainsi le cinquième harmonique de mi bémol est le sol, qui est aussi un des harmoniques de do (et de sol, bien sûr).

Antiquité grecque

Parmi les différentes civilisations antiques, la civilisation grecque mérite d'être traitée à part en matière de musique, d'une part parce qu'un certain nombre de textes décrivant et commentant son système et sa pratique, sont parvenus jusqu'à nous, d'autre part parce qu'elle a souvent servi de point de départ aux théories savantes sur la musique médiévale. À ce titre, la musique de la Grèce antique peut être considérée comme l'une des sources de la musique occidentale, mais aussi de la musique classique arabe, même si les théoriciens médiévaux interprétaient ce qu'ils savaient de la musique grecque.

La musique des Grecs anciens — telle qu'on la connaît à travers les textes philosophiques et les traités d'harmonie, dont le premier est celui d'Aristoxène de Tarente, un élève d'Aristote qui se démarque de la pensée de son maître — apparaît fortement imprégnée de concepts philosophiques : théorisation de « l'éthique musicale » par Platon puis Aristote qui s'inspiraient de la pensée pythagoricienne, respect des rapports mathématiques qui « régissent l'univers », la musique comme une « source de sagesse », etc.

Le système dit des « harmonies » n'était pas une théorisation des usages en matière de simultanéités sonores, mais une description des échelles de base, fondées sur l'accord de la lyre — c'est-à-dire, la « manière d'accorder » cet instrument — : aspects de l'octave, choix de la note fondamentale, succession des intervalles conjoints, etc.

L'échelle mélodique en usage, l'accord pythagoricien, est produit par la « génération des quintes » sur un monocorde. Pythagore ayant remarqué que la hauteur du son est inversement proportionnelle à la longueur de la corde, avait défini les rapports harmoniques comme des rapports de longueur — ou des rapports de fréquence. Par exemple, l'octave correspond au rapport 2/1, la quinte au rapport 3/2, la quarte au rapport 4/3, et ainsi de suite. Ces trois intervalles étaient par ailleurs considérés comme les principales consonances du système musical — cette conception sera maintenue jusqu'à la fin du Moyen Âge.

Dans l'Antiquité, la musique était monodique et le son était donc un élément simple sans aucune notion d'accord. Ce qui n'empêchait pas de jouer des simultantéités sonores — au moins en ce qui concerne certains instruments qui se prêtaient à ce type d'expérience : l'aulos (en duo avec un chanteur), la lyre, la harpe, etc.

Moyen Âge

Ce n'est qu'au milieu du Moyen Âge que va se produire ce grand bouleversement qu'est la naissance de la notation musicale. La tentative de fixer la musique sur le papier entraînera l'invention du solfège — qui ne trouvera sa forme définitive qu'à la Renaissance — ainsi que le développement du concept de partition, ceci, au détriment de la mémoire et de la transmission orale.

Le système harmonique en usage dès l'époque carolingienne, est plus proprement appelé la polyphonie : la musique médiévale superpose et articule plusieurs voix ou lignes mélodiques sans considérer encore que cette superposition forme des accords ; le travail polyphonique y est contrapuntique et jamais harmonique : il ne s'attache pas à la succession des accords. Les premiers témoignages écrits des expérimentations en matière de simultanéités sonores nous montrent que l'évolution de la notation musicale et les progrès en matière d'écriture polyphonique sont intimement liés : ce sont, semble-t-il, les nécessités de la polyphonie qui ont entraîné l'élaboration du solfège.

Le système musical médiéval est de nature modale, et l'échelle en usage est l'accord pythagoricien, hérité de la Grèce antique.

Au cours du Moyen Âge, c'est surtout la quinte juste qui est considérée comme l'intervalle consonant par excellence.

Au IX siècle, les mouvements harmoniques utilisés sont les suivants. Le mouvement oblique — c'est le principe du bourdon des instruments populaires, tel que la vielle ou le biniou. Le mouvement parallèle que l'on retrouve, tout d'abord, dans l'organum — succession de quintes ou d'octaves harmoniques — mais également, un peu plus tard, dans le gymel — succession de tierces ou de sixtes harmoniques.

Le mouvement oblique — c'est le principe du bourdon des instruments populaires, tel que la vielle ou le biniou.

Le mouvement parallèle que l'on retrouve, tout d'abord, dans l'organum — succession de quintes ou d'octaves harmoniques — mais également, un peu plus tard, dans le gymel — succession de tierces ou de sixtes harmoniques.

Ces premiers essais d'écriture de mouvements obliques ou parallèles sont en fait assez modestes. Ils s'apparentent somme toute, aux musiques traditionnelles de certaines parties du Globe, qui pratiquent une polyphonie spontanée. Au fond, la musique savante de cette période se contente d'utiliser l'écrit pour aller vers plus de cérébralité et se doter d'une théorisation : le musicien ne se contente plus « d'agir », désormais, « il agit en connaissance de cause ».

Au XII siècle, cependant, le système de composition se fait plus complexe. L'utilisation du mouvement contraire — technique du déchant — et l'indépendance des voix qui en résulte, permettent la véritable naissance du procédé d'écriture baptisé contrepoint. Celui-ci, pour l'essentiel, consiste en une superposition de mélodies : « l'accord » — qui n'existe pas encore en tant que concept — n'est alors que le résultat fortuit de la simultanéité d'intervalles harmoniques produite par cette superposition.

Renaissance

La Renaissance marque la transition entre la polyphonie et l'homophonie, et entre le système modal médiéval et le système tonal du siècle suivant — XVII siècle. C'est, somme toute, l'apparition de l'harmonie au sens strict et contemporain du terme lequel, rétrospectivement, implique qu'il n'y avait à proprement parler pas d'harmonie auparavant : la musique médiévale était polyphonique, la notion d'accord lui était étrangère et elle n'effectuait donc aucun travail sur l'enchaînement des accords.

L'harmonie des XV et XVI siècles — toujours appelée polyphonie — comporte les caractéristiques suivantes. La musique est essentiellement consonante : les accords utilisés sont des accords de trois notes — la septième et la neuvième, en tant que notes dissonantes au sein d'un accord, ne seront utilisées qu'au cours des époques ultérieures. La basse devient progressivement indépendante : alors qu'au cours de la période précédente, elle était une mélodie comme une autre, elle est désormais traitée comme une partie chargée d'une fonction spécifique. La sensible est employée de manière systématique : elle sera la marque de la musique tonale, comme la sous-tonique était celle de la musique modale. Les chromatismes — très fréquents dans le madrigal — les modulations, les marches d'harmonie, les cadences, font leur apparition.

La musique est essentiellement consonante : les accords utilisés sont des accords de trois notes — la septième et la neuvième, en tant que notes dissonantes au sein d'un accord, ne seront utilisées qu'au cours des époques ultérieures.

La basse devient progressivement indépendante : alors qu'au cours de la période précédente, elle était une mélodie comme une autre, elle est désormais traitée comme une partie chargée d'une fonction spécifique.

La sensible est employée de manière systématique : elle sera la marque de la musique tonale, comme la sous-tonique était celle de la musique modale.

Les chromatismes — très fréquents dans le madrigal — les modulations, les marches d'harmonie, les cadences, font leur apparition.

C'est à cette époque que la tierce est définitivement considérée comme un intervalle consonant, et que l'on passe d'accord pythagoricien à la gamme zarlinienne.

L'accord au sens moderne du terme, n'est pas encore pleinement théorisé, et le système d'écriture musicale demeure le contrepoint, qui connaît son apogée au cours de cette période.

Harmonie tonale

En musique classique, l'harmonie peut désigner la simple utilisation d'accords, on parle alors de polyphonie (système musical en usage de la fin du Moyen Âge à la fin de la Renaissance). Dans son sens le plus étroit, elle désigne la discipline étudiant la disposition et l'enchaînement des accords. Elle est alors qualitfiée de « tonale » puisqu'elle est indissociable du système tonal en tant que système d'écriture musicale. L'harmonie classique ou tonale est le système musical qui se substitue à la polyphonie à partir du XVI siècle, et qui, durant plus de trois siècles, restera le système de référence de l'écriture des simultanéités dans la musique occidentale savante.

L'harmonie n'est pas seulement une théorie statique visant à classifier les accords selon certaines règles, que celles-ci soient naturelles — c'est-à-dire, fondées sur des harmoniques communs — ou bien artificielles — c'est-à-dire, fondées sur l'éducation de l'oreille et le goût d'une époque. L'harmonie, c'est aussi l'étude des enchaînements d'accords, qui, en utilisant notes de passage, retards, dissonances passagères, permet de structurer une œuvre de musique tonale. Écrire l'histoire de l'harmonie, de Monteverdi à Schönberg, c'est quasiment écrire « l'histoire de la musique tonale ».

Le concept d'accord

La notion d'accord, en tant que simultanéité sonore synthétisée, succède à celle d'intervalle harmonique en usage depuis le Moyen Âge. En harmonie tonale, un accord est une entité particulière, définie comme une combinaison simultanée d'au moins trois notes, disposées au départ sous la forme d'une superposition de tierces.

Le mot accord, en tant que concept renvoyant à un ensemble de sons simultanés, ne semble pas antérieur au XVI siècle.

Il faut bien entendu distinguer « l'accord » en tant qu'élément de l'harmonie, de « l'accord » en tant que réglage des fréquences d'un instrument par rapport au diapason, ou encore, de « l'accord » en tant que manière de réaliser ce réglage.

La structure de l'accord correspond globalement aux harmoniques du son, mis en évidence par la science acoustique au XVIII siècle, mais pressentis par les musiciens bien avant cette époque.

L'harmonie tonale connaîtra des accords de trois notes (ou accords de quinte), de quatre notes (ou accords de septième) et de cinq notes (ou accords de neuvième). Les accords de plus de cinq notes ne sont pas pris en considération par l'harmonie classique.

Le procédé d'écriture contrapuntique

Le contrepoint est de plus en plus en retrait. Il subsistera toutefois en tant que discipline enseignée dans les conservatoires et écoles de musique, afin de contribuer à la formation des musiciens.

Dès le début du XVII siècle cependant, il est concurrencé par un autre procédé, appelé monodie ou « mélodie accompagnée » : de même que le contrepoint est la technique d'écriture associée à la polyphonie, la monodie est la technique d'écriture associée à l'harmonie tonale.

Le système tonal et harmonique a été théorisé par Jean-Philippe Rameau, fameux compositeur de la période baroque. Dans son Traité de l'harmonie réduite à ses principes naturels celui-ci remarque que la résonance d'un corps sonore s'accompagne de l'émission de sons dits « harmoniques » — qui seront plus tard analysés par le physicien Helmholtz — et en déduit que l'harmonie est consubstantielle à la musique elle-même (plus encore que la mélodie) puisqu'un son fondamental porte en lui-même sa propre harmonie comme, écrit-il, « une sorte de chant intérieur ».

L'harmonisation est le procédé d'écriture musicale consistant à ajouter à une mélodie préexistante, une ou plusieurs voix simultanées, généralement sous la forme d'une succession d'accords, conformément aux règles de la tonalité.

Les caractéristiques du système

La pierre angulaire du système tonal est le principe de « tension-détente » condensé dans la cadence parfaite, à savoir, succession d'un accord dissonant, chargé de tension, et d'un accord consonant ou accord stable — accord parfait — apportant la détente.

La notion de tension a évolué au cours des siècles, puisque chaque génération d'auditeurs s'est en quelque sorte accoutumée aux dissonances. C'est pourquoi il est important pour l'analyste moderne de se remettre dans la peau des contemporains de l'œuvre qu'il étudie. Ainsi, les sonates de Mozart ou Haydn, relativement simples sur le plan tonal, recèlent des petits trésors de dissonances, que le romantisme a effacé par son effusion de tensions (cf Schumann ou Liszt). Cette surenchère historique a amené les compositeurs du XX siècle à essayer de nouvelles voies atonales pour continuer à surprendre l'auditeur.

Au XVIII siècle, le système du tempérament égal vient se substituer aux gammes pythagoricienne et zarlinienne afin de simplifier l'échelle chromatique, et permettre ainsi de moduler et transposer dans toutes les tonalités, même les plus éloignées.

On notera l'importance accordée à la basse, comme symétrique de la mélodie dans le grave, et, en conséquence, le rôle plus effacé des parties intermédiaires, ces dernières constituant souvent un simple complément harmonique.

En harmonie tonale, une pièce musicale peut être notée sur seulement deux portées, la première affectée à la mélodie, la deuxième, à la basse, avec, entre les deux, un certain nombre de chiffres figurant les accords à réaliser sur un instrument harmonique — clavecin, luth, etc. Ce procédé, très en vogue à la période baroque, est appelé « basse continue ».

L'harmonie au XX siècle

Au début du XX siècle, l'harmonie classique perd le monopole de l'écriture musicale savante. Elle évolue alors dans plusieurs directions, souvent divergentes.

L'harmonie et les nouveaux systèmes musicaux

Les structures traditionnelles sont remises en question par bon nombre de compositeurs — Debussy, Schönberg, etc. Le système tonal éclate, les anciennes échelles sont souvent abandonnées, etc. Dans les nouveaux systèmes inventés de toute pièce — musique sérielle, musique aléatoire, musique concrète, etc. — l'harmonie classique ne trouve plus sa place. Celle-ci en effet peut difficilement survivre en dehors de la tonalité et des échelles traditionnelles, échelle diatonique et échelle chromatique.

L'évolution de l'harmonie dans la musique tonale

Lorsque les compositeurs font le choix de travailler dans la musique tonale, ou modale, ou tout au moins, dans des gammes reproductibles sur l'échelle chromatique habituelle, ils utilisent parfois l'harmonie, mais ne manquent pas de faire évoluer celle-ci, au gré de leur inspiration ou de leurs recherches : par exemple, en inventant de nouveaux accords, toujours plus chargés : accords de six notes, accord de sept notes, ou encore, en trouvant des simultanéités inanalysables selon les règles classiques — simplement appelées agrégats.

L'enseignement de l'harmonie

L'harmonie classique telle qu'elle s'est développée du XVII au XIX siècle subsiste, cependant elle n'a pas pris en compte les évolutions du XX siècle : elle s'arrête généralement à l'étude des accords de cinq notes. Celle-ci est désormais devenue une discipline enseignée dans les conservatoires et les écoles de musique, au même titre que la composition ou le contrepoint. Ces trois disciplines sont regroupés dans les conservatoires dans les classes dite "d'écriture".

L'utilisation de l'harmonie dans les autres types de musique

Les ressources de l'harmonie classique sont également adoptées par le jazz, et les musiques populaires plus ou moins apparentées à ce genre musical : blues, rock, variété, etc. Cette utilisation est effectuée cependant au prix d'un certain nombre d'aménagements, notamment en matière de notation des accords.

L'harmonie s'entend alors quasiment exclusivement verticalement, faisant abstraction du contrepoint. Les accords sont notés, non pas pour les notes qu'il contiennent effectivement dans la partition, mais plutôt comme un champ de pôles d'attraction à un instant donné. C'est spécifiquement le cas dans la musique Jazz, ou les accords, bien qu'il contiennent en théorie un nombre conséquent de notes, ne sont en réalité que réduits à des formes contractées, ou seules les dissonances, qui donnent la couleur spécifique d'un accord sont jouées.

Les autres sens du mot harmonie

Un ensemble de sons agréables

Une harmonie peut ensuite renvoyer à un ensemble de sons agréables à l'oreille (successifs ou simultanés), évoquant à une « musique harmonieuse ». Par exemple : « l'harmonie » du chant des oiseaux.

En poésie, on peut parler également de « l'harmonie » d'un vers, pour en désigner les effets sonores — rimes, assonances, allitérations ou consonances, accents toniques, intonation prosodique, etc.

Un type d'orchestre

Une harmonie — ou orchestre d'harmonie — est un orchestre composé, pour l'essentiel, d'instruments à vent, bois et cuivres. S'y ajoutent des percussions et quelques instruments à cordes (contrebasse à cordes, harpe, parfois piano).

Sens extra-musical

Le terme Harmonie peut cependant recevoir plusieurs autres significations, en relation ou non avec la musique et les sons, c'est-à-dire qu'outre l'oreille, il s'adresse aux yeux et constitue une appréciation de la valeur agréable dans la communication de caractère général. Communication picturale, architecturale dans les arts, et relationnelle dans les sociétés. De manière très générale, le mot harmonie signifie « bonnes relations », « concordance », « entente », entre des personnes ou des personnes et des objets.

C'est ainsi, par exemple, qu'à propos d'un tableau, d'un vêtement, d'un décor, etc., on pourra parler de « l'harmonie des couleurs ».

On pourra dire également, en parlant de personnes cette fois, que celles-ci s'entendent bien et travaillent toujours en bonne « harmonie ».

En architecture et sculpture, dans le rapport homme et objet perçu, l'harmonie est l'ensemble « Proportions agréables, beauté des lignes, des volumes, des formes. ».

Du point de vue philosophique, en particulier dans la Grèce antique, on peut considérer l'harmonie comme le fait pour tous les éléments d'un tout d'être à la place qui leur est destinée, de telle sorte que le tout est meilleur que la somme des parties. L'harmonie est ainsi une propriété structurelle de ce tout.

大三和弦由三个不同频率的声音组成，而这三个频率的比例接近6:5:4.

和声学是关于乐音音频同时性（也包括续时性）分布自然法则描述、总结性的音乐理论学科，对于理解音乐构成及其自然逻辑意义有着重要的作用。

在音响（sound）的范畴里，广义的和声（harmony）可以是指任何由超过一个频率所组合而成的声音。但在西方音乐里面，和声也常常用来描述不同和弦（chord）的配搭手法，而和弦则通常较为狭义地描述同一时间演奏两个或以上不同音高，但这两个词语在许多时候可以通用。

和声和旋律（melody）的分别是，旋律是指在不同的时间演奏不同的音高。和声学通常是研究如何在同一时间演奏不同的音高而获得协调或不协调的效果，而对位法则是研究如何在同一时间结合两个不同的旋律。在音乐史上不同的时期对和声学以及对位法都有不同的理解，对于何谓协调或者不协调的看法，随着时代不断改变。

定义

“和声（harmony）”一词是从希腊语 ἁρμονία (harmonía)一词衍生出来的，其意为“联合，认同，和睦” 。ἁρμόζω (harmozo)，“相互适应，去参与”。 当“音乐”通常意义上的艺术一部份时，这个词经常在音乐界使用。在古希腊，这个词被定义为相对事物的一个集成: 在这里而言，就是相对的高音与相对的低音的一个集成。 虽然有这样一个来源，但至于说“同时发声的一组音符是否是古希腊的音乐习惯的一部分”仍然不是很清楚；“harmonía”一词也许仅仅提供了一个对于“不同音高同时发声”这一现象的系统化的分类。在中世纪这个名词用来形容两个音高的同时发声，在文艺复兴时期这个概念被扩大到三个音高的同时发声。 让-菲利普·拉莫 在1722年所作的'Traité de l'harmonie' (《和声学》) 直到1722年让-菲利普·拉莫所作的'Traité de l'harmonie' （《和声学》）都没有发表。这是因为这个著作里提到了许多音乐术语——即便这些术语前人已经用过了。经过集成著作中这些预先创建的创作的原则，在此之后的相关和声规则的原理著作就变得相互圆融了（那种状态更像是“友好”）。 在现在的词典中，经常试图给予简洁解释并更加强调这个词在现代的使用中的多重含义。多重含义包含两点：一方面是艺术的审美方面之互相认同（比如一种观点认为“愉快”的和谐从而达到均衡（harmonious）状态）；另一方面是指具体音乐结构（）上。(“和声的（harmonic）”(不同音高同时发声)有别于“对位的（contrapuntal）”（正确位置的音））。阿诺德.惠托尔（Arnold Whittall）说： While the entire history of music theory appears to depend on just such a distinction between harmony and counterpoint, it is no less evident that developments in the nature of musical composition down the centuries have presumed the interdependence—at times amounting to integration, at other times a source of sustained tension—between the vertical and horizontal dimensions of musical space. —— 汉语译文： “当音乐理论史看似取决于和声与对位之间的的差异, 这同时表明音乐创作的性质从古至今一直以［这两者间的］相互依靠为基础进行演化－有时体现为它们的相互契合，有时体现为它们的持续对峙－［这两者］是音乐空间里纵向以及横向的维度。” —— “现代西方音乐调性和声开始于十七世纪”这一观点已经成为了音乐理论中的常识。通常认为和声是横向(对位) 创作的“替代”，这种现象在文艺复兴时期的音乐普遍。曲谱的‘纵向' 元素成为了重点。现代的理论家，无论如何，往往将其视作一种并不令人愉快的概括。就像卡尔．达尔豪斯（Carl Dahlhaus）所说： It was not that counterpoint was supplanted by harmony (Bach’s tonal counterpoint is surely no less polyphonic than Palestrina’s modal writing) but that an older type both of counterpoint and of vertical technique was succeeded by a newer type. And harmony comprises not only the (‘vertical’) structure of chords but also their (‘horizontal’) movement. Like music as a whole, harmony is a process. ——